让未来的艺术,格式化一下你的想象力

互联网带来了全新的公共空间,而我们现在现在想做的就是从美术馆入手,给艺术一个新的公共空间。

展览现场-(8)

盛夏燥热的北京,今日美术馆以“.zip未来的狂想|小米·今日未来馆”为观众献上了一场最“酷”的展览,科技与艺术相遇碰撞出一种特立独行的美学,似乎昭示了未来的艺术可能有多疯狂。文 杜梦茜

名字颇有些奇特的展览—《.zip未来的狂想|小米·今日未来馆》,字面上乍一看并不那么容易理解,甚至还容易引发某种阅读障碍。陌生化的词汇组合方式,暗含的其实是展览本身的“新奇特”。如果说科技与艺术的结合是未来一个不容小觑的发展趋势,那么在层出不穷争相开幕的新媒体艺术展中,脱颖而出不仅需要大胆,更需要带给观众真正“新奇特”的艺术体验和足够诚意的态度。
 
艺术联手黑科技,打造今夏最酷展览

 “‘.zip 未来的狂想’作为本次展览的主题,每一个压缩包.zip都蕴含了对各种格式的组合和拆分。每种格式在‘宇宙大爆发’时被释放,跨媒介交互与独特的信息处理方式、光影、机器、声音与视觉抢占我们的眼球,在强烈感官的冲击下思考时代,审视自我。压缩是一个开始,当展览逐渐开始解压过程是等待一个新次元的到来。”今日美术馆高鹏馆长这样阐述本次展览的主题。如果将未来的一切(包括艺术在内)比喻成一个zip格式的压缩包,那么人们解压它的瞬间可能爆发出完全不同的格式“txt, gif, html, exe, pdf, dmg, jpg…”甚至是一个bug!这种阶层的暗示、类型的多元性、甚至是“不兼容性”从另一个侧面描述了我们所处时代艺术面貌的复杂程度,也似乎预言着未来艺术面貌中无法定义、难以归类、反类型的某种特征。

 展览为观众准备的“格式”相当丰富—沉浸式体验,声音与视觉的盛宴,跨媒介交互与信息的艺术处理,虚拟与现实的交叠,人与机器的互动。在作品的选择上,展览试图运用并整合不同类别的新媒体艺术作品,以带给观众全新的观展体验。展览邀请了大量国内外新媒体艺术家参与创作,包括著名法国艺术家Claude Lévêque,美国艺术家Catherine Chalmers和Charles Lindsay,土耳其艺术家Refik Anadol,也包括冯梦波、郭锐文、洪启乐、王志鹏等极具影响力的华人新媒体艺术家。作品涉及装置艺术、实验音乐、声音影像、空间交互等等作品,在本次展览中“互动”与“空间”是两个最重要的概念,两者相辅相成,只有充分利用空间才能达到观众与作品间的良性互动。为了达到最佳互动体验,今日美术馆进行了内部大改造:第一次将楼体进行了部分拆卸,以实现14米高的主厅空间内的多楼层视角;主厅为打造沉浸式体验,仅设备耗资高达200万元。科技与艺术的碰撞将时间和空间用一种新的视角进行诠释和表达,意图在于引发人们主动脱离因循守旧的艺术思维模式,从而产生对存在、未来和世界的新一轮思考。
 
对号入座你的“格式”,html还是avi?

展览现场-(5)
 
今日美术馆其实并不是第一次变身“今日未来馆”,2015年今日就已经为大家献上了未来馆开馆展:“想象的未来 | 今日未来馆”。传统美术馆的未来发展道路,一直是现任馆长高鹏思考并试图尝试的方向:“如何让美术馆能体现出这一代人与上一代人的不同是问题的核心。我们赶上了一个充满机遇和不确定性的时代,中国经济的崛起强大、当代艺术日趋多元以及去欧美中心化、传统的话语权解体让全世界的艺术家都可以发声,只要你的想法够好,你就有可能成为被发现和被关注。这种现状跟科技的发展是离不开的,互联网带来了全新的公共空间,而我们现在想做的就是从美术馆入手,给艺术一个新的公共空间。”

 当人与科技、人与虚拟世界的关系成为一个抛给世界的重大问题时,擅于提问的艺术家们又将以何种方式发问?又去如何解决?又怎样利用它达成自己的艺术表达?本次展览只是扔给观众一个压缩包,想要解压它需要亲自踏入展厅里进行探索和感知,运用我们每一个独特个体的经验和想象力,构造并得出属于你自己的“文件接收”过程。

“.zip未来的狂想|小米·今日未来馆”
今日美术馆,至9月16日

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格哈德·里希特作品再袭北京!

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德国艺术家格哈德·里希特一向被评论界视为“最具影响力的当代艺术家”之一。他以多变的艺术风格建构出一个介乎形象与抽象之间的艺术世界。路易威登基金会精心挑选了里希特在2000年以后对抽象绘画进行探索的系列作品。

展览中最值得关注的莫过于艺术家创作于2007年的《4900种色彩》(4900 FARBEN)的第七版,画面由196块面板组成,每块面板中含有25个色彩方块,这也是该作品首次亮相公众眼前。
距离上一次格哈特·里希特在中国美术馆的展览已经过去了九年,作为本次路易威登北京 Espace 文化艺术空间的开幕展,观众得以再次领略这位被称为“21世纪的毕加索”的当代艺术大师的近作风采。

《德国艺术家“格哈德·里希特”作品展》路易威登北京Espace,
6月29日- 11月26日

特纳奖提名艺术家的“色彩”之道

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现年87岁的著名抽象艺术家吉莲·艾尔斯,是在世艺术家中最为重要的抽象画家之一,她的画作在中国还并没有被广大观众所熟知。艾尔斯的作品被众多国际重量级美术馆收藏,亦曾作为唯一一位女性艺术家跻身英国战后最重要的《境况:英国抽象艺术家》艺术展览,并于1989年获特纳奖提名。

本次展览以艺术家1980年代以来创作的画为主要线索,画面充满着感性而复杂的艺术力量。“色彩”是作品画面乃至整个展览的终极主宰者,这种壮美色彩的来源可以追溯至威尼斯大师提香和英国艺术大师特纳的影响。展览也展示了近年来艾尔斯作品中的变化—图形的出现。吉莲·艾尔斯认为:“在过去很长一段时期里,人们总喜欢一些不美的东西。而我热爱美,这一点毫无疑问。提香、鲁本斯和马蒂斯都对美有着炽热的爱恋。我认为,人们在观看艺术作品甚至大自然时,应当能够迷醉其中。我认为我们的生命可以通过观看艺术品而得到提升。”

作为吉莲·艾尔斯在中国的首展,观众可以借此机会领略这位女性艺术家作品中贯穿的实验精神,以及艺术家热情奔放的创造力中所包含的对当代艺术中忽略许久的“美感”的某种致敬与延续。

《航向边缘:吉莲·艾尔斯的抽象绘画,1979年至今》中央美术学院美术馆,7月30日-8月27日

“碎片化时代”的艺术

林东鹏-碎片时代

香港艺术家林东鹏以他的绘画作品和《好奇盒》吸引了不少当代艺术爱好者的关注。目前他的个展《碎片时代》在前波画廊展出,展览囊括了林东鹏不同时期的重要作品。重新组合和梳理了这位以思考性著称的艺术家,以及他在不同创作时期中的核心元素。

林东鹏的艺术从个体经验和身份出发,讨论人们在逐渐消失又不断重塑着的社会身份。在他的作品中,我们可以找到并感知那些共同文化经验中的焦虑性,相反我们也可以通过那些细微的文化经验差异,观看到一位艺术家的创造力与提出问题的能力所在。

《碎片时代》展览的目的正在于,通过打破之后的重新组合,反映艺术家独特的创作方法和独属于他观察世界的方法。这种崭新的视角和其中的流动性,正是我们身处的“碎片化时代”的核心精神。

《林东鹏:碎片时代》
前波画廊,6月24日- 8月20日

中国当代摄影40年

(三影堂图说)胡武功-爬城墙的孩子

三影堂摄影艺术中心推出的展览《中国当代摄影40年》展现了中国当代摄影的变迁与成就,作为三影堂摄影艺术中心创办 10 周年的特设展览,邀请巫鸿先生(芝加哥大学美术史系和东亚语言文化系“斯德本特殊贡献教授”、东亚艺术中心主任及斯马特美术馆顾问策展人)为策展人。

展览以四大部分—“民间摄影社团和展览的浮起(1976 -1979)”、“摄影新潮(1980 -1989)”、“实验摄影(1990-2006)”及“实验性摄影机构的发展”(2007-至今)为主题,梳理了中国当代摄影自“文革”之后迄今 40余年的发展阶段,进一步展现了中国当代摄影艺术发展的脉络。

《中国当代摄影40年》
三影堂摄影艺术中心,至8月27日
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